Suo Conseguenza' s 15° anniversario e per tutto settembre pubblicheremo una serie di pezzi retrospettivi sulla storia della nostra pubblicazione e sul panorama dell'intrattenimento in generale. Oggi diamo il via con il nostro nuovo e migliorato elenco dei 100 migliori album di tutti i tempi.
Oh mio Dio, siamo tornati di nuovo. Sono passati più di un decennio da quando abbiamo provato per la prima volta a ridurre tutta la storia della musica popolare nei 100 più grandi album di tutti i tempi. Dimentica come le opinioni sono cambiate in questi 12 anni, l'intero cultura si è spostato. Anche le persone che partecipano a questa esercitazione sono diverse, in quanto rimangono solo due membri del personale che facevano parte della lista OG, pubblicata nel 2010, Conseguenza oggi.
Comprensibilmente, questa volta le cose saranno diverse. I gusti sono stati rimodellati, i generi sono nati e si sono estinti e il modo in cui ci dividiamo importanza attraverso la storia è stato alterato dalla natura stessa del presente. Tutto ciò ha contribuito a mettere insieme un colosso come questo, il che significa record che non sono stati considerati - o addirittura rilasciato — l'ultima volta che abbiamo intrapreso questa sfida ora abbiamo un posizionamento di rilievo. A loro volta, altre grandi opere sono state respinte, o giù o su.
Una cosa rimane la stessa, tuttavia: non sarai d'accordo su quanto sei d'accordo con ciò che abbiamo fatto qui. Ti starai chiedendo come mai l'album X non meriti di essere menzionato, o perché l'album Y è più alto dell'album Z. O dove diavolo è l'artista W?! Non discuteremo nemmeno con te. Credeteci, ci siamo chiesti anche questo, ne abbiamo parlato e abbiamo fatto scelte difficili, spesso contro convinzioni personali.
Ora, forse questo non ti impressiona molto. Forse tu, caro lettore, credi che esista una classifica definitiva, eterna, ineccepibile dei record che potrebbe essere tirata fuori dall'etere con la giusta metodologia. Chissà, forse hai ragione. Questa non è quella lista.
Questa è una lista compilata attraverso ore di dibattito, frustrazione, risate, acquiescenza ed epifania. È uno che ha valutato il valore mercuriale attribuito all'arte, dalle percezioni al momento della creazione, alla considerazione retrospettiva, all'impatto sulle mode in continua evoluzione. È anche uno che ha permesso alla gioia di essere un fattore di grandezza.
Quindi, vai avanti, lancia le tue critiche. Esprimi i tuoi sentimenti su come sono stati lasciati i tuoi artisti preferiti o su come abbiamo saltato quell'iconico LP. Diamo il benvenuto! E quando la polvere si posa, il personale di Conseguenza sarà orgoglioso della nostra lista dei 100 migliori album di tutti i tempi. Fino alla prossima volta.
— Ben Kaye
Direttore dell'editore
ed. nota: seleziona i blurb dall'elenco originale visualizzato ogni volta che sono inclusi qui, sono indicati con (2010).
Dig the artwork in this list'https://shop.consequence.net/products/100-greatest-albums-of-all-time-poster' rel='noopener'>qui e una versione incorniciata qui .
100. La dipendenza di Jane – Niente è scioccante
Con gli anni '88 Niente è scioccante , Jane's Addiction ha contribuito a gettare le basi per quella che sarebbe poi diventata la rivoluzione del rock alternativo degli anni '90. In parti uguali pesanti ed eteree, è giusto che l'album contenga titoli di canzoni come Up the Beach e Ocean Size, poiché le tracce suonano come onde che si infrangono sul mare. La voce celestiale di Perry Farrell, insieme al modo dinamico del chitarrista Dave Navarro, del bassista Eric Avery e del batterista Stephen Perkins, rende Niente è scioccante un album davvero unico.
Combinando la potenza dei Led Zeppelin con l'art-rock dei Velvet Underground su brani come l'esplosiva Mountain Song con la sua magnifica linea di basso, o l'acustica Jane's Says con i suoi testi strazianti, Niente è scioccante rappresenta un momento decisivo in quello che presto sarebbe stato un cambiamento sismico nella musica rock. — Spencer Kaufman
99. Muco Washington – Paradiso e Terra
Nel 2015, il sassofonista Kamasi Washington ha annunciato il suo arrivo al pubblico mainstream in Kendrick Lamar's Per ravvivare una farfalla . Solo pochi mesi dopo, ha consolidato il suo posto nella parte anteriore dell'avanguardia del jazz con il suo altrettanto ampio debutto su una major, L'Epopea , sviluppato in gran parte con i suoi compatrioti nel collettivo jazz Get Down della costa occidentale di Los Angeles. Ma era il seguito, quello del 2018 Cielo e Terra , che riflette più accuratamente le altezze che può raggiungere dal suo spazio di testa ascendente.
Cielo e Terra evoca la grande scala del suo titolo con una visione onnicomprensiva del passato, presente e futuro di questo mondo e oltre. Se Washington sta resuscitando il passato con la sua interpretazione di Hub-Tones di Freddie Hubbard, rinnovando il tema del film di Bruce Lee Pugni di Furia con un contesto moderno, o spingendo il jazz in una direzione completamente nuova sulla jam dark groove Street Fighter Mas, è costantemente in conversazione con un potere superiore la divinità varia solo dall'Onnipotente al suo gruppo di amici musicisti all-star.
Per quanto riguarda la crescente presenza della spiritualità nella sua musica, Conseguenza recensione di classe A ha affermato che se più chiese suonassero canzoni come 'Journey' e 'Will You Sing' la domenica, quei santuari potrebbero essere solo posti in piedi. — Bryan Kress
98. Lucinda Williams – Ruote per auto su strada sterrata
Non sono mancati gli imitatori di Lucinda Williams nel corso degli anni, artisti che speravano di intaccare anche solo un grammo della sua grinta, grazia e grinta e farla propria. Ma c'è solo una Lucinda Williams, e nel suo capolavoro vincitore di un Grammy nel 1998 Ruote per auto su strada sterrata , dimostra perché è un talento senza rivali.
Il nativo di Lake Charles, Louisiana, ha una discografia tentacolare, iniziata nel 1979 con Ramblin' nella mia mente e più recentemente con l'acerbo Anime buone angeli migliori, il che rende la selezione di uno solo dei suoi album come il migliore un po 'una commissione da pazzi. Tuttavia, Ruote per auto su strada sterrata si distingue come un segno distintivo della consumata americana, un vortice del sud di country, blues, folk e rock 'n' roll.
È un disco carico di riff con una lunga lista di testi fatti su misura per tatuarti sul corpo, raddoppiando come una tabella di marcia per l'anima di una nazione complicata. Attraverso 13 tracce, dal sexy 2 Kool 2 Be 4-Gotten al bacio con il dito medio in su di Joy, impari alcune cose sul narratore centrale del disco, ma c'è una lezione che spicca in particolare: tu non non scopare con Lucinda Williams. Se Williams è il poeta laureato americano, Ruote per auto su strada sterrata è un limite massimo del modulo. — Spencer Dukoff
97. Fugazi – Ripetitore
Mentre Ripetitore è considerato il full-lenght dei Fugazi, ha avuto l'arduo compito di seguire i leggendari primi due EP della band (compilati insieme come 13 canzoni ). Insieme a Ripetitore , tuttavia, la band DC non solo ha alzato il proprio livello, ma ha fatto esplodere l'intero genere hardcore punk.
Con un cenno alla precisione dei post-punk Gang of Four, Ripetitore è la prova di una band che suona senza restrizioni. I Fugazi non hanno mai dovuto rispondere alle cause quando si trattava della musica che registravano, grazie alla loro intera discografia pubblicata tramite la Dischord Records del cantante-chitarrista Ian MacKaye. La loro chimica è ovvia, con MacKaye e Guy Picciotto che si scambiano voci su accordi dissonanti, e il bassista Joe Lally e il batterista Brendan Canty forniscono una solida spina dorsale. Questi fatti insieme affermano che il successo commerciale di Ripetitore è un sottoprodotto degli artisti stessi, non il piano di un'etichetta per accaparrarsi i soldi.
Con inni potenti come Turnover e Blueprint, oltre a brani straordinari come la title track e Sieve-Fisted Find, Ripetitore è un'opera fondamentale della band DIY per eccellenza. — SK
96. NWA – Direttamente da Compton
Sebbene debbano a Schoolly D e ai Park Side Killas alcuni meriti per il gangsta rap pionieristico, N.W.A. posso dire con orgoglio di aver portato questo stile di hip-hop super accattivante e ultra violento nel mainstream. Uscito nel 1988, Direttamente da Compton presentava quelli che sarebbero poi diventati alcuni dei più grandi nomi del genere - Ice Cube, Eazy-E, Dr. Dre e MC Ren - raccontando storie di vita in uno dei quartieri più difficili di Los Angeles su ritmi minimalisti e scratch forniti da DJ Yella e Arabian Prince.
Tagli come Fuck Tha Police e la title track sono arrivati a incarnare il suono della West Coast e hanno aperto una strada che ha portato la musica rap a infiltrarsi in ogni famiglia in America. Anche se venivi dagli angoli più tranquilli della periferia, ti irrigidivi, stringi i pugni e fai finta di essere pronto per una rissa quando hai ascoltato Ice Cube aprire il disco dichiarando: segato/Premi il grilletto/ E i corpi vengono trascinati via. NWA ti ha fatto sentire duro, anche se dovevi comunque abbassare il volume quando tua madre era a casa. — Due raggi (2010)
95. Sistema di un Down – Tossicità
Dopo essersi fatti un nome con il loro debutto omonimo, i System of a Down hanno raggiunto nuove vette con il loro secondo album, 2001 Tossicità . Melodico, caotico e decisamente ipnotico, l'album ha ampliato i confini della musica pesante. Il frenetico Chop Suey! è diventato uno dei successi più bizzarri di tutti i tempi alla radio rock (anche con Clear Channel che lo ha rimosso temporaneamente dalle onde radio dopo gli attacchi dell'11 settembre), mentre canzoni come la schiacciante title track e l'ossessionante Aerials sono servite anche a spingere l'album a multi -stato platino.
Suonando come nessun'altra band prima di loro, la voce operistica di Serj Tankian sorvola le complesse composizioni musicali di Daron Malakian, con Shavo Odadjian e John Dolmayan che formano una sezione ritmica implacabile. Tutto detto, Tossicità rappresenta una delle migliori opere di musica pesante del 21° secolo, se non di tutti i tempi. — SK
94. Wilco – Yankee Hotel Foxtrot
Esiste un universo alternativo in cui Wilco non viene mai rilasciato Yankee Hotel Foxtrot , un album che non solo assicurerebbe il posto della band nella storia del rock, ma altererebbe radicalmente il panorama dell'industria musicale all'inizio del nuovo millennio. Sì, questo disco è intriso di mitologia e retroscena, meglio racchiuso in Sam Jones' Sto cercando di spezzarti il cuore , che guarda caso è uno dei migliori documentari musicali di tutti i tempi.
Ma YHF resiste come un classico oltre 20 anni dopo meno a causa di quella tradizione e più perché è una raccolta di canzoni così dannatamente forte. Jeff Tweedy incanala tutta la sua ansia e imbarazzo in canzoni come Ashes of American Flags e I Am Trying to Break Your Heart, completando quei brani più pesanti con la calda nostalgia di Heavy Metal Drummer e la storia d'amore con il cuore in maniche di Reservations, che contiene un testo devastante e diretto: ho delle riserve su così tante cose, ma non su di te.
Il genio di Yankee Hotel Foxtrot è la decisione di aggiungere strati di feedback e registrazioni sul campo, rumore e distorsione in cima alle canzoni folk, country e indie rock di Tweedy, avvicinandosi allo sperimentale a tal punto che il disco ha eliminato l'etichetta alt-country che aveva perseguitato la band da allora la sua fondazione. Dall'inizio alla fine, Yankee Hotel Foxtrot ipnotizza e seduce, e in qualche modo riesce a suonare sia come innamorarsi che come la fine del mondo. È intoccabile. — SD
93. TLC – CrazySexyCool
Con il nuovo jack swing in disgrazia verso la metà degli anni '90 e Lisa Left-Eye Lopez alle prese con lotte personali che l'hanno tenuta lontana dal gruppo per lunghi periodi, i TLC hanno trovato il modo di far maturare il loro sound nel loro secondo album. Riunendosi con Babyface, Jermain Dupri e Dallas Austin aggiungendo i contributi di Sean Puffy Combs, Organized Noize e Chucky Thompson, hanno aumentato le vibrazioni hip-hop e soul per esprimere la perfezione R&B su CrazySexyCool .
Allo stesso tempo, hanno contribuito a stimolare un movimento di positività sessuale che si evolve ancora oggi affrontando il romanticismo da numerose angolazioni: l'appuntamento di Creep, la dolcezza di Diggin' on You, il XXX di Red Light Special. Nel frattempo, hanno consegnato uno dei racconti ammonitori più duraturi di tutti i tempi in Waterfalls. CrazySexyCool era il Album R&B del decennio. Oggi rappresenta una testimonianza di una femminilità sicura di sé, una dichiarazione sigillata nei libri dei record come l'album più venduto di un gruppo femminile americano di sempre e il primo a raggiungere lo status di diamante. — B. Kaye
92. Le Sostituzioni – Lascia fare
Chi avrebbe mai pensato che quattro ventenni di Minneapolis potessero produrre qualcosa di così senza tempo, così vitale e così vivido'https://consequence.net/2014/10/let-it-be-turns-30-celebrating-the-replacements-best-album/' > Lascia fare , nessuno l'ha fatto. Mentre tutti gli occhi erano puntati su Prince in quel momento, Paul Westerberg, Tommy Stinson, Chris Mars e Bob Stinson stavano creando rock and roll puro e genuino. Con il cuore in tasca, Westerberg ha riversato il suo amore, la sua perdita e le sue inibizioni in ogni testo, nota, accordo e guaito.
In Androgynous, il primo colpo di pianoforte ti colpisce i nervi, ti tira gli occhi, e quando Westerberg canta 'Futuri emarginati, non durano, sei proprio lì accanto a lui - nel bar polveroso, in ritardo ore di una notte della settimana, e con nessuno a cui aggrapparsi se non la musica. Questo è tutto ciò che i Replacements dovevano essere qui, lo fanno in ogni nota, su 11 tracce e per 33 minuti e 31 secondi. Non è un album, è un salvagente. — Michael Roffman (2010)
91. Il Chi – Chi è il prossimo 
Di tutti gli album leggendari di questa lista, dubito che molti di loro abbiano avuto origine come un'opera rock abbandonata. Molti arrangiamenti e frammenti di Pete Townshend sono stati abbandonati Casa di salvataggio progetto è diventato la base per Chi è il prossimo , un album che non ha un tema o una trama sottostante. Questo senso di libertà ha permesso a The Who di concentrarsi sulla creazione di grandi canzoni individuali piuttosto che su una storia generale.
Il risultato è The Who che cresce in pubblico. Le canzoni combinano l'energia forte della band in gioventù con gli elementi più sperimentali esplorati Tommy . Il miglioramento più evidente è la voce di Roger Daltrey, che raggiunge vette che in passato erano solo accennate. L'assolo di batteria di Keith Moon seguito dall'urlo di Daltrey alla fine di Won't Get Fooled Again rimane uno dei più grandi momenti del rock.
Mentre tutti conoscono i singoli, dalla tastiera di apertura di Baba O'Riley all'acustica dell'edificio di Behind Blue Eyes, ogni canzone di questo disco è un potenziale successo. Ascolta il ritornello esplosivo di Bargain. Dai un'occhiata a una rara voce solista del bassista John Entwistle in My Wife. Con brani come questi, è facile capire perché Chi è il prossimo ha spostato gli Who da una grande band degli anni '60 a una superpotenza rock negli anni '70. — Joe Marvilli (2010)
90. Alanis Morissette – Piccola pillola frastagliata
I primissimi secondi del disco di successo di Alanis Morissette presentano una miscela di chitarra elettrica e armonica, segnalando fin dall'inizio che una nuova voce nell'alt-rock aveva qualcosa da dire. E un'intera generazione stava ascoltando: se eri giovane, donna e viva negli anni '90, c'è una forte possibilità che non possiedi solo questo album, ma lo abbia memorizzato dall'inizio alla fine, come l'incredibile voce di Morisette e la stellare di Glen Ballard il lavoro di produzione si combina per urlare della rabbia e della confusione che derivano dall'essere vivi.
Decenni prima che Taylor Swift si arrabbiasse liricamente con Jake Gyllenhaal per una sciarpa, Alanis stava ricordando al suo ex il pasticcio che aveva lasciato quando se ne andò, ma Piccola pillola frastagliata non si tratta solo di rabbia: Hand in My Pocket in realtà trasmette un messaggio un po' ottimista sul fatto che letteralmente tutto andrà bene, e anche se ironicamente non è riuscito a usare la parola correttamente, è comunque riuscito a parlare di scenari deprimenti in un pozzo, tutti stato lì.
È un album pieno di emozioni difficili da spacchettare e che ha aiutato almeno una ragazza adolescente, ascoltandolo a ripetizione, a sentirsi un po' meno sola. — Liz Shannon Miller
89. Giorno verde – Dookie
I Green Day sono entrati nel mainstream con Dookie , perfettamente programmato per arrivare alla ribalta sulla scena del grunge vestita da Doc Martens. La band californiana guidata da Billie Joe Armstrong e completata dal bassista Mike Dirnt e dal batterista Tre Cool ha avuto successo fondendo la natura anti-establishment delle sue radici punk rock con un aspetto grunge, supportato da melodie pop accattivanti e hook. Esplorando di tutto, dagli attacchi di panico alla masturbazione alla bisessualità, i testi hanno colpito i fan di tutte le età e hanno posizionato i Green Day come la moderna band punk per le masse.
Pubblicato nel 1994, il terzo e più venduto album della band ha avuto successo commerciale, raggiungendo il numero 2 della classifica Billboard 200 e ottenendo un Grammy come miglior album di musica alternativa. La band è stata accusata di essersi esaurita dai precedenti seguaci della scena punk underground, ma Dookie ha trovato un modo per rinvigorire l'interesse per le leggende punk originali servendo come un disco entry-level e dando voce agli adolescenti ribelli che in realtà non avevano molto contro cui ribellarsi nella relativamente placida metà degli anni '90. — Kelly Quintanilla (2010)
88. Alice Coltrane – Viaggio a Satchidananda
Per quanto si possa provare, è quasi impossibile discutere di Alice Coltrane senza allevare il suo defunto marito. Sebbene John Coltrane abbia avuto un'influenza innegabile su di lei e sul suo lavoro, era già un'artista affermata molto prima che si incontrassero e si innamorassero. Come ha detto una volta Coltrane, John non solo mi ha insegnato a esplorare, ma a suonare in modo completo e completo.
Sebbene non sia il primo album che Coltrane ha pubblicato come artista solista dopo la morte del marito, Viaggio a Satchidananda è probabilmente il suo più venerato. È un'opera informata dalla spiritualità che sembra sia eterea che cruda, portandoti attraverso la morbida maestà poetica delle nuvole attraverso l'arpa e il pianoforte di Coltrane, e la grana fine della terra attraverso il sassofono soprano di Pharoah Sanders.
Alcuni elementi, come il ronzio tanpura e l'arpa cristallina di Coltrane nella title track di apertura, risaltano in modo evidente. Altri, come la batteria di Rashied Ali e il basso di Cecil McBee, sono più sottili. Coltrane non è stata affatto la prima artista jazz occidentale a portare suoni orientali nel suo gregge, ma questi pezzi non hanno mai la sensazione di richiamare l'attenzione sui loro contrasti. Come per tutte le opere d'insieme realizzate, ogni parte brilla individualmente e in modo coeso.
Basta ascoltare l'interazione conversazionale tra il piano e il basso in Stopover Bombay o come il frenetico strimpellamento dell'oud di Vishnu Wood si mescola con il sax cosmico di Sanders su Isis e Osiris dal vivo. I pezzi si incastrano tutti insieme, ma gran parte della sua grandezza risiede nel modo in cui si rifiutano di congelarsi, con Coltrane e i suoi collaboratori che abbracciano la generosità pur mantenendo l'autonomia. Viaggio a Satchidananda è un album ultraterreno che non sembra mai essere troppo al di fuori del nostro regno. — Sono Kenny
87. Uccisore – Regna nel sangue
Mentre altre band thrash metal degli anni '80 hanno iniziato ad espandere il loro suono con svolazzi tecnici e progressivi, gli Slayer hanno cercato di distillarlo nella sua essenza. Uscito nel 1986, Regna nel sangue era snello e cattivo: solo due delle sue 10 tracce superano i tre minuti, a testimonianza della precisione e della velocità con cui sono state riprodotte.
Con il produttore e appassionato metalhead Rick Rubin dietro le tavole, il suono un po' fragile del lavoro dei primi anni '80 della band era scomparso, presentando il doppio kick martellante del batterista Dave Lombardo e il doppio attacco di chitarra di Jeff Hanneman e Kerry King in puro hi-fi (senza i riverberi e gli effetti che risalgono a molti album metal dell'epoca).
Dall'urlo penetrante di Tom Araya che dà il via ad Angel of Death alle ultime gocce di Raining Blood, Slayer mantiene un ritmo incessante che si trasforma in una sfocatura da incubo. Argomenti sinistri, come le riflessioni liriche della precedente canzone sul medico nazista Josef Mengele e altri argomenti cruenti, non fanno che aumentare l'atmosfera del male che trasuda da Regna nel sangue una volta che fai cadere l'ago.
I riff atonali caratteristici di Hanneman generano gli assoli di chitarra spastici e improvvisati di Kerry King, evocando un senso di caos e morbosità. Un merito della produzione grezza di Rubin, l'album suona brutalmente intenso fino ad oggi, intatto dal tempo - un artefatto sacro del metal estremo nella sua prima forma. — Di Jon Hadus
86. Pearl Jam – Dieci
Etichettato dal padrino del grunge Kurt Cobain come uno sforzo commerciale da tutto esaurito, Dieci è diventato il trampolino di lancio per il rock alternativo degli anni '90. Nati dalle ceneri dei Mother Love Bone, tragicamente di breve durata, il chitarrista Stone Gossard e il bassista Jeff Ament hanno aggiunto texture rock classiche al suono di Seattle con l'aiuto del chitarrista Mike McCready (e di una manciata di batteristi temporanei, tra cui Matt Cameron). Il loro cinque tracce Dimostrazioni di Stone Gossard '91 alla fine sarebbe cresciuto Dieci – avevano solo bisogno di qualcuno che desse voce alle loro composizioni.
Entra Eddie Vedder. I ringhi e gli ululati emotivi del frontman (Why Go, Black) e il lirismo sincero e straziante (Jeremy, Release) rispecchiano la ferocia della musica, moltiplicandone il potere. La combinazione di quella presenza vocale distintamente appassionata con i riff accattivanti e gli assoli impennati della scrittura di canzoni di Gossard e Ament ha stabilito un nuovo standard per ciò che il rock significava nel nuovo decennio. Aveva tutta l'angoscia e l'oscurità per cui il grunge era noto, sia nei testi che nel suono pesante, ma con un'ampiezza da stadio e un cantante destinato allo status di icona.
Gli stessi Pearl Jam raramente hanno eguagliato l'intensità del loro debutto, per non parlare della maggior parte del rock nei tre decenni successivi. — B. Kaye
85. Tupac – Tutti gli occhi su di me
Dal commento sociale dell'ancora rilevante Brenda's Got a Baby alla rabbia sfrenata di Hit 'Em Up e tutto il resto, la gamma di Tupac come rapper rimane senza precedenti. Mentre colpisci lo studio per Tutti gli occhi su di me , tuttavia, Pac ha scatenato tutte le sue frustrazioni represse nel creare un personaggio gangsta rap più grande della vita dopo essere stato liberato da Rikers Island dal suo nuovo capo del braccio della morte Suge Knight.
Nessuno avrebbe rappresentato la costa occidentale più duramente di lui, come dimostrato dall'aggressività genuina di Ambitionz Az a Ridah e dalle collaborazioni con i compagni di etichetta Dr. Dre (California Love) e Snoop Dogg (2 di Amerikaz Most Wanted). Tuttavia, il doppio album ha anche offerto a Pac ampio spazio per successi da club come How Do U Want It e l'introspezione di I Ain't Mad at Cha – per non parlare delle vetrine per il suo gruppo The Outlawz come Thug Passion.
La produzione di Dre, DJ Pooh, DJ Quik e Johnny J completa Tutti gli occhi su di me offrendo finalmente a Pac una colonna sonora che potrebbe eguagliare pienamente i suoi talenti. Sebbene l'ode di 27 canzoni e 133 minuti allo stile di vita gangsta non sia priva di verruche, la passione ardente di Pac eleva l'album a un altro livello. Un capolavoro non deve essere perfetto per resistere alla prova del tempo, e Tutti gli occhi su di me ha fatto esattamente questo. — Eddie Fu
84. Smashing Pumpkins – Mellon Collie e la tristezza infinita
Con il dovuto rispetto per 1979, che trasuda una polvere di stelle nostalgica sentita profondamente da gran parte della Generazione X, è forse la dodicesima miglior canzone su Mellon Collie e la tristezza infinita . Saldamente nello stampo di Il muro o il White Album (ciao, Farewell and Goodnight), il terzo album degli Smashing Pumpkins ha rappresentato il loro indiscutibile apogeo prima di un droga - e indotto dall'ego spegnimento (sebbene Adorare e Macchina hanno i loro apologeti).
Il punto dei Pumpkins era sempre stato la rappresentazione dell'insieme della femminilità e della mascolinità, di una stravaganza sottile in aggro brutalità - e proprio come il famoso doppio album dei Beatles, Mellon Collie contiene praticamente l'intero spettro dell'esperienza umana nelle sue 28 tracce. Anche il famigerato lavoro di mastering smorzato non può soffocare la sua bellezza: ha suonato un altro album più tranquillo più alzi il volume'https://www.imdb.com/title/tt0701127/' >Homerpalooza, i successi più che reggono: tutti ricordiamo la prima volta che abbiamo sentito Quello urla in Bullet with Butterfly Wings.
Meglio di tutto 
Chrissie Hynde, un'espatriata americana che vive a Londra, aveva cercato di trovare il suo posto, sia nell'industria musicale che nel mondo. Ma le demo impressionanti l'hanno portata a posizionarsi come una star in divenire. Appena quattro giorni prima che gli anni '70 finissero per sempre, Hynde and the Pretenders pubblicarono il loro debutto omonimo. Curiosa programmazione a parte, era un album troppo impressionante per perdersi nella confusione post-festività. E abbastanza sicuro, la band stava preparando i club subito dopo.
Profilazione Hynde e co. per Rolling Stone nel 1980, descrisse Kurt Loder pretendenti come sottilmente sorprendente. È adatto per un album che sembra indossare le trappole del punk (artwork dell'album semplice, riff sfocati) ma presto rivela quanto altro abbia da offrire, sia artisticamente che emotivamente. Anche in un campo affollato, c'è qualcosa nelle prime battute di apertura di Precious che ci dice che sta succedendo qualcosa di speciale qui.
Sebbene quei riff e quei riempimenti possano essere replicati con sufficiente pratica, non c'è modo di copiare Hynde e la sensazione che trasmette. Esprimendo trionfo, rabbia, tenerezza, paura e altro, Hynde ti mette nella sua testa, ricordando ricordi dolorosi e descrivendo storie incredibili come se avesse realizzato un audiolibro ad hoc. Potresti conoscere meglio Brass in Pocket, ma pretendenti è, dall'inizio alla fine, un vero capolavoro. — M.K.
82.Pietro Gabriele- Così
Le due uscite di Peter Gabriel prima Così , entrambi chiamati Pietro Gabriele , erano album rock prog di riferimento. In questi sforzi, Gabriel ha utilizzato l'hardware di registrazione più recente per comporre suoni campionati, nonché musica e ritmi di culture che non erano mai state integrate nella musica occidentale. Gabriel stava aprendo un nuovo terreno mozzafiato, e con Così , ha portato le sue scoperte sonore al mainstream.
Così è un album pop storico che travolge gli ascoltatori con canzoni emotive e ritmiche che attingono dal cuore dello spirito umano. Caso in questione, la canzone n. 1 da suonare fuori dalla finestra di qualcuno, In Your Eyes: la voce e i testi di Gabriel sono crudi e appassionati con immagini semplici ma straordinariamente potenti. I ritmi africani mantengono la canzone viva e lontana dal sentiero sdolcinato che tante canzoni d'amore percorrono, e la voce impennata del cantante senegalese Youssou N'Dour trascendono il linguaggio con pura celebrazione.
Questo tema di comunicazione emotiva, umana e rivoluzionaria permea tutte le opere di Gabriel, ma è più forte Così , dove continua a toccare la maggior parte delle persone. Quando Gabriel urla solo l'amore può fare l'amore in That Voice Again, anche l'ascoltatore più cinico non può fare a meno di provare un pizzico di verità.
Brani come Red Rain, Mercy Street e Don't Give Up (un duetto con Kate Bush) operano all'estremo opposto dello spettro, discutendo di vulnerabilità, debolezza e possibilità di andare avanti. Così ospita anche un paio di brani d'avanguardia come lo snervante We Do What We're Told (Milgram's 37) e il lunatico This is the Picture (Excellent Birds), che è stato scritto e interpretato con Laurie Anderson.
E, naturalmente, tutti conoscono Sledgehammer e il suo eccezionale video musicale. Nessun concetto inebriante lì, solo puro divertimento e una brillante rivisitazione dell'anima Motown. A seconda del tuo stato d'animo nell'ascoltarlo, Così ti lascerà carico o esausto. Ad ogni modo, è una bella sensazione. — Gatto nero (2010)
81. Adele – ventuno
Il termine reset culturale è stato abusato a un certo punto, ma se si applica ovunque in questa conversazione, è per quello di Adele. ventuno . Nonostante i successi del cantante prima dell'uscita dell'album, il successo mondiale di ventuno è stata una sorta di sorpresa, allora era raro come lo sarebbe ora per un album emotivo, a volte oscuro, blues e malinconico non solo fare bene nelle classifiche, ma rimanere l'album più venduto per due anni consecutivi. L'LP è accreditato di aver contribuito a rivitalizzare le vendite fisiche per un settore che stava passando allo streaming di classifiche di vendita in cima alle classifiche di vendita in più di 30 paesi, è chiaro che 21 era qualcosa che tutti noi dovevamo tenere nelle nostre mani.
L'album è terminato con quelle che ora possono essere considerate due delle canzoni più riconoscibili del secolo: Rolling in the Deep e Someone Like You. Due estremi, dal punto di vista della produzione, ma ciò che hanno in comune, in modo vitale, è che l'incredibile voce di Adele è al centro. Aggiungi il tagliente Rumor Has It, il catartico Set Fire to the Rain e il penetrante Turning Tables, e Adele si è dimostrata una cantautrice abbastanza forte da eguagliare la sua innegabile voce. Le canzoni immortalate in ventuno sono così presenti, così urgenti e umane, perché Adele Adkins ha aperto il suo cuore e ha condiviso tutto con noi.
L'album è ossessionato, sia dai fantasmi di un amore fallito, sia dai ricordi che sembrano scomparire non appena appaiono. Nonostante i dettagli personali disseminati ovunque ventuno , è un album straziante che ha la capacità di essere universalmente compreso. — Maria Siroky
80. Erykah Badu - beduinismo
Il titolo dell'impeccabile album di debutto di Erykah Badu suona come se stesse cercando di avviare un movimento. E in un certo senso lo era. Parlando con Notizie MTV , Badu lo ha specificato beduinismo è stato progettato per farti sballare. Non un ronzio passeggero e artificiale, ma un viaggio onnicomprensivo della mente e del sé che probabilmente non potremmo mai immaginare, e non una religione... un'esperienza.
Potrebbe sembrare piuttosto iperbolico per una raccolta di canzoni di un'artista che stava appena pubblicando il suo primo album. Ma Badu non promette il paradiso o la verità divina, solo un'esperienza. E beduinismo è inebriante. Uno degli album, se non il più, venerato nel sottogenere neo-soul, è innegabilmente indicativo della sua epoca mentre si sente ancora fresco. Dal tintinnio tremante dei tamburi di Questlove nel melodrammatico Other Side of the Game al basso impettito della provocatoria Certamente, i suoni e Badu si supportano a vicenda magnificamente.
Il supporto è offerto anche all'ascoltatore. Badu è una scrittrice troppo brava per alimentare il suo messaggio, le sue lotte e il modo in cui le racconta sono così comprensibili senza cadere in luoghi comuni vuoti e generici. Non tutti i sentimenti sono risolti alla fine, ma beduinismo sostiene che il viaggio verso le risposte alle più grandi domande della vita è importante quanto le risposte stesse. — M.K.
79. La Polizia – Sincronicità
Per qualsiasi gruppo che si chiede come uscire, non cercare oltre Sincronicità . L'ultimo album del gruppo dei Police è uscito nel 1983 e, in un certo senso, ha inaugurato il suono del decennio. La forte dipendenza dell'album dal sintetizzatore ha mostrato al mondo il futuro, poiché il gruppo ha creato musica davvero grande quanto la loro reputazione. Ogni respiro che prendi. Avvolto intorno al tuo dito. Re del dolore. Sincronicità II. Quelle sono canzoni fatte per gli stadi che prefiguravano il futuro di Sting.
Piuttosto che attenersi al loro playbook di reggae, jazz e punk, Sincronicità trova il gruppo che crea il proprio percorso e dice a tutti gli altri di venire se possono. È una mossa audace per la band più grande del mondo non solo terminare la propria corsa in cima alla montagna, ma cambiare tutto ciò che la gente sapeva su di loro nel processo.
L'unico motivo per cui ha funzionato è perché la musica era, ed è tuttora, innegabile. È divertente come un gruppo nato come parte della scena new wave e punk britannica sia diventato sinonimo di musica pop. I testi non sono più accessibili del normale, gli argomenti non sono più leggeri (dai un'occhiata a Every Breath...), e la produzione non è meno complicata. Eppure, in qualche modo, Sincronicità sembra proprio che sia stato creato per MTV.
Anche la voce di Sting mostra più profondità qui, quasi come se si stesse preparando per la sua carriera da solista. Questo non era stato pianificato come l'ultimo album del gruppo, ma il frontman - insieme a una miriade di altri fattori della vita che hanno ostacolato l'armonia del gruppo - lo ha reso tale. Nella mente di Sting, questo album era il loro apice e non c'era modo di superarlo. Non per niente, ma aveva ragione. — Marco più corto
78. Billy Joel – Lo straniero
Con una discreta frequenza, puoi trovare la canzone che definisce un artista nel suo miglior album. Ma non è il caso di Piano Man, Billy Joel. Quella traccia è arrivata nel suo secondo LP, a cui ha fatto seguito un paio di dischi che hanno così sottoperformato che la Columbia ha minacciato di abbandonarlo. Forse quel pericolo ha dato a Joel un atteggiamento niente di meno da perdere, era così irremovibile che la sua nuova band in tournée registrasse con lui nel suo prossimo album che quando la sua prima scelta per il produttore, George Martin, voleva usare musicisti in studio, Joel lo rifiutò.
E si è rivelata la mossa giusta. Insieme al produttore Phil Ramone, Joel e la sua band si sono messi insieme Lo straniero , che rappresenta la migliore raccolta di brani nella carriera del produttore di successo. Scenes from an Italian Restaurant è diventato la firma di Piano Man, nonostante non sia mai stato pubblicato come singolo. Just the Way You Are si è portato a casa Record e Song of the Year Grammy, Movin' Out (Anthony's Song) è un classico certificato della ribellione dei sogni americani e Only the Good Die Young rimane pieno di citazioni di addio all'annuario come quando Gruppi cristiani hanno chiesto che fosse bandito dalla radio.
Potrebbe non esserci un'icona pop più divisiva nella musica, ma ti sfido ad ascoltare Vienna o She's Always a Woman e dire che Joel non era al culmine dei suoi poteri su Lo straniero . — B. Kaye
77. JAY-Z – L'Album Nero
Fermaci se l'hai sentito prima: JAY-Z si stava ritirando. I devoti dell'hip-hop sanno che Shawn Carter aveva sempre avuto un'uscita in mente dal suo primo album nel 1996. Ma come dice nel 2003 L'Album Nero , il fascino del gioco era troppo da ignorare.
Per la maggior parte dei sette anni tra il '96 e il '03, è stato una delle figure dominanti del genere. Anche nel suo ultimo album, quella fame competitiva è ancora palpabile. PSA, What More Can I Say, Threats e 99 Problems mostrano la sua abilità lirica raffinata. Il 4 dicembre e Moment of Clarity forniscono spunti personali e professionali (in verità voglio fare rima come Common Sense/ ma ho fatto 5 Mil, da allora non faccio rima come Common), mentre Change Clothes e Dirt Off Your Shoulder illustrano un'evoluzione in fare record di successo.
Change Clothes non è una canzone che Jay potrebbe fare nel '98 o nel '99. Il contenuto da solo mostra quanto sia cresciuto personalmente dai giorni di Big Pimpin. Nonostante i sussurri di superficialità dell'epoca, coloro che ascoltavano veramente tracciarono i cambiamenti di Jay durante la sua carriera, con Il Album nero in piedi come l'apice di quella metamorfosi. Certo, da allora abbiamo più album e probabilmente ne avremo uno in più quando finirai di leggere questo. Ma nel 2003, quando un gruppo di rapper più giovani guidati da 50 Cent stava facendo scalpore e Jay stava adempiendo ai suoi obblighi contrattuali nei confronti della Def Jam mentre terminava la sua narrativa sulla carriera, era davvero il momento perfetto per dire addio. — M. Più corto
76. Gli Smith – La regina è morta
Se non lo sapevi già, Morrissey ha inventato la tristezza. Va bene, non proprio. Ma l'uomo nato Steven Patrick Morrissey e la sua banda disordinata di uomini della classe operaia delle zone più cupe e grigie di Manchester chiamati The Smiths hanno coltivato a lungo un tipo così specifico di essere tristi e soli con la loro musica che è quasi impossibile ricordare che il dolore esisteva prima La regina è morta .
La combinazione dei testi ironici e spiritosi di Morrissey sull'amore (e anche l'eterna assenza di esso), la sensazione di una solitudine senza fine ma la mancanza di desiderio di rettificarla, e il modo di suonare la chitarra caratteristico di Johnny Marr rendono questo disco un classico duraturo. La scrittura delle canzoni, sempre melodica con la voce baritonale immediatamente riconoscibile di Morrissey, è intelligente, oscura, triste e autoironica, qualcosa che tutti i parolieri post-Morrissey hanno cercato e non sono riusciti di emulare.
Moz chiama i critici della band in The Boy with the Thorn in His Side e Cemetry Gates, mentre Never Had No One Ever e I Know It's Over sono odi nichiliste alla solitudine perpetua. Poi, ovviamente, arriva il gioiello della corona dell'album: There Is a Light That Never Goes Out, in cui Morrissey osa sperimentare un raro approccio ottimista all'amore, ma che, inevitabilmente, finisce comunque con la morte.
Tuttavia, è l'ultimo inno romantico: E se un autobus a due piani/ Si schianta contro di noi/ Morire al tuo fianco/ È un modo così paradisiaco di morire. Non sogniamo tutti un amore così totalizzante che preferiremmo essere investiti da un autobus invece di continuare a vivere senza di loro